Творческие изыскания обычного японца

Йодзи Ямада — японский кинорежиссер, посвятивший большую часть жизни повествованиям о рутине «обычного японца». Японцы знают и любят его за создание героя сериала с тридцатилетней историей: «Трудно быть мужчиной». Йодзи Ямада режиссировал этот сериал от самого начала, оттачивал неторопливый стиль и изящество сюжетного нюанса, используя при этом психологию обыденного существования.

Неожиданным для Ямады было обращение к самурайской тематике. Картиной «Сумрачный Самурай» он начал трилогию о непростой жизни суровых воинов во времена падения сегуната.

Основой для этих фильмов была серия рассказов японского писателя Сехэя Фудзисавы. Ямада как никто лучше смог воплотить в кино размеренный быт тех времен.

В «Сумрачном Самурае» Йодзи преподносит зрителям полностью новую, в своей простоте, трактовку бытия служителей кодекса чести. В его фильмах нет ежедневных сражений, нет героизма и подвигов. Герои его повествования ведут рутинную жизнь, но, несмотря на это, следуют твердому правилу – самурай всегда обязан помнить о чести и о предназначении.

Изначально завершающая трилогию картина носила название «Одинокий воин», но позже Ямада изменил название (кинолента «Любовь и Честь»).Герой картины — небогатый самурай Синнодзи, состоит на службе в качестве дегустатора пищи. Перенося тяготы службы, самурай мечтает быть сенсеем, делиться с мальчишками премудростями фехтования, но в результате отравления он теряет зрение. Выживший и осознавший свою беспомощность Синнодзи, принимает решение покончить с жизнью. Обряду харакири мешают верный слуга и его жена. Ослепший самурай без оружия, без работы и, по сути, без будущего –он принимает такое существование и старается сохранить честь своей семьи. Не обошлось в киноленте и без финального боя, который неизбежно венчает все истории Ямады.

«Сладкая жизнь»

Фильм «Сладкая жизнь» снятый Федерико Феллини считается вершиной его творческих изысканий. Его рассматривают как философское повествование о жизни итальянского общества, переживающего «экономическое чудо» следующего нескольким годам нищеты. Считается, что Феллини хотел показать беспечность и пустоту, бессмысленность жизни, в которой преобладает одиночество, отчужденность, разъединение человеческого общества. Феллини во многом не был согласен с трактовкой названия своей картины. Режиссёр демонстрировал жизнь, состоящую из чудесных мгновений, которые человек потребляет, как изысканное вино. Но общество восприняло киноленту как вызов. Феллини всеми силами пытался растолковать, что прелести жизни доступны каждому, просто не всем доступно распознать их.

Ватикан к фильму отнесся крайне негативно, негодование породила сцена стриптиза. Газеты переименовали картину на «Омерзительную жизнь» и размещали разгромные статьи, повсеместно предлагая запретить показ, а всех, кто его смотрит, отлучить от церкви.

В феврале 1960 года состоялась премьера киноленты в Капитоль де Милан. В тот вечер режиссер и Мастрояни сыгравший главную роль в фильме едва избежали расправы. Героя Марчелло огласили пьяницей и развратным тунеядцем. Поступали предложения о сожжении фильма, а самого Феллини хотели лишить гражданства. Но все же успех у демократической части общества и за рубежом, принудил противников «Сладкой жизни» замолчать. Вскоре «Сладкую жизнь» воздвигли в символ великой эпохи в развитии итальянского кино.

Кинолента завоевала «Золотую пальмовую ветвь», а её влияние на кинематограф невозможно переоценить. Превосходное актёрское мастерство, показанное Марчелло Мастроянни и все перипетии связанные с премьерой фильма связывают его тесными дружескими узами с Федерико. «Я и Марчело — почти одно целое», — заверял в те годы Феллини.

Во власти женской судьбы

Кинематографическая жизнь Мидзогути началась на заре прошлого столетия: 22-х летний молодой человек устроился на токийскую студию для исполнения женских ролей. Два года спустя его приглашают в ассистенты режиссера, а уже с 1923-его Мидзогути самостоятельно проводит постановки. К большому сожалению, об этом периоде творчества известно только с работ киноведов, полсотни картин Мидзогути того периода считаются пропавшими. Но, выходя из названий, можно утверждать, что молодой режиссер избрал центральной деталью в творчестве женскую судьбу. Соответственно женщина и послужила историческим подтверждением известности Кэндзи Мидзогути, как режиссера.

Кэндзи в молодые годы был очень привлекательным мужчиной. Акира Ивасаки, известный японский кинокритик, за Мидзогути замечал шарм обольстителя: молодой, собранный, подтянутый франт и щёголь. Но все эти качества, в то время, были представлены в ущерб режиссеру, а особенно когда история о ранении молодого кинематографиста его сожительницей получила огласку. Подобный инцидент в современном мире послужил бы дополнительным пиаром фигурантам происшествия, но в те годы в Японии такие скандалы не прощались – недопустимость такого для работников, бдящих и заботящихся о ценностях компании, привела к отстранению Кендзи от съёмок, к которым ему все же удается вернуться лишь спустя два года.

Поверить в чудо

В интервью прессе фон Триер часто представляет себя «амбициозным циником». В рассказе о своей первой работе, короткометражном фильме с названием «Садовник, который выращивает орхидеи», он говорит, что начиналось всё с посвящения девочке, которая умерла от лейкемии, и при этом он сообщает даты рождения и кончины. Выдержав паузу, Ларс фон Триер все же опровергает всё сказанное до этого, и говорит что все манипуляции с цинизмом только для того чтобы его воспринимали всерьез.

Фон Триера действительно воспринимают серьезно, даже после оглашения 10 заповедей целомудрия, которым он обязался следовать. Но более серьезно его восприняли после отступления от самого себя, во имя истории о любви и вере, носившей название — «Рассекая волны». В картине Ларс проводит главную героиню по дороге трагической горечи. Зрителю, досмотревшему киноповесть до конца, остается последнее испытание, предложенное датчанином: «колокола небес». Верим в чудо Бесс (главной героини), мы только потому, что фильм не имеет смысл без чуда. Жертва, оказавшись напрасной, принесла бы фильму полную непереносимость. Другой стороной является и то, что некоторых Бесс все же заставит поверить в Бога. Ведь через весь фильм проходит идея о том, что Бог существует только потому, что героиня в него верит. Бог — это есть сила веры. Ларс фон Триер говорил, что реквизит и декорации должны быть реальны, и при необходимости чего-то нужно выбрать обстановку, а не создавать её искусственно.

«Золотой мальчик» Голливуда

Брайан Де Пальма принадлежит к золотому поколению режиссеров Голливуда, которое возрождало киноиндустрию США. Он очень быстро стал любимцем французской кинокритики. Более того, Европа полюбила его раньше, чем родная Америка. Де Пальма один из постмодернистов в кино. В работе он использует переработанные сюжетные ходы других режиссеров, таких как Антониони и Хичкок, хотя такой же славы ему снискать не удалось.

Брайан Де Пальма уроженец штата Нью-Джерси, первые короткометражки начал снимать, будучи еще студентом. В его лентах засветилась будущая звезда малоизвестного ещё Роберта  Де Ниро.

В его доработках почетное место занимает картина «Сестры» — лента о серийном убийце, экранизация книги Стивена Кинга.

Брайан де Пальма в прекрасной форме. Его последние работы можно назвать достаточно авантюрными, но все же достойными лентами. Он не часто склоняется к лирическому кино, но триллеры и ретро-нуар удаются режиссеру однозначно. Де Пальму не называют первооткрывателем в кино, но это, скорее всего в силу того, что попав в Голливуд, все жанры и форматы уже были использованы другими более именитыми кинорежиссерами.

Это человек старался каждый жанр, в котором работал, доводить до совершенства, и делал это, совсем не дурно приобретя со временем свой непредсказуемый стиль.

Фриц Ланг – классик немецкого кино

Немецко-американский кинорежиссёр Фриц Ланг родился в Вене. Учился в венском техническом колледже «Реальшуле» на архитектора, но, увлёкся живописью и в 1907 году перешёл в академию графики в той же Вене. Первыми художественными впечатлениями Фриц так же обязан Вене.

Юный Ланг любил путешествовать. В странах, которые посещал, он зарабатывал на жизнь, рисуя и продавая открытки. С 1913 года он обосновывается в Париже.

Начал снимать Фриц в 1919 году. Лучшей ранней работой Ланга считают картину «Усталая смерть». Сюжет фильма — легенда о перемещении душ влюблённых, о скитаниях в пространстве и времени.

Следующим фильмом Ланга была картина «Доктор Мабузе — игрок».

Фриц ставил перед собой цель — дать возможность другим народам представить немецкую душу, рассказывал о большой духовной ценности его нации. Он романтизировал прошлое Германии, воплощая это в особой трактовке изображаемых образов, выражая это в декорациях и манере освещения, а также выборе ракурсов.

Немецкий режиссёр так же является создателем кинокомпании «Фриц Ланггезельшафт».

Первый фильм режиссёра в звуковом формате был основан на судебном процессе над «Дюссельфдорским привидением» — маньяком, убивающим детей.

Мрачная и беспросветная картина, отвратительные персонажи которой ярко демонстрировали быт обычных людей.

Тяжелым для Ланга было время проживания и работы в Америке. Многие его планы не приветствовались Голливудом. В конечном итоге, последний свой фильм он снимал в Индии. Несмотря на всё, в этом фильме он не изменяет себе и своим принципам.

Вербински и «Пираты Карибского моря»

Гор Вербински уроженец штата Теннеси, США. Начинал свой творческий путь с работы над музыкальными клипами и рекламой. Малометражными работы Вербински были довольно долго. На рынке рекламных роликов молодой режиссер имел успех, ролики у него заказывали известные компании, такие как Найк и Кока-Кола, даже всем известную лягушку для пива Будвайзер придумал Вербински.

Дебютом в полнометражном кино, была кинокомедия «Мышиная Охота». Над этой картиной Грегори работал в качестве главного режиссера. Вышедшая 4 года спустя, картина — «Мексиканец», с умопомрачительным актерским составом (Джулия Робертс, Бред Пит, и Джеймс Гандольфини) была снова ошеломительно успешна. Но Гор Вербински недолго нежится в лучах славы, а начал работу над триллером «Звонок». Коммерческий успех вышедшего на экраны в 2003 фильма был колоссальным.

Следующим шагом режиссера была работа о пиратах Карибского моря. Изобилующая спецэффектами картина, представляющая собой смесь приключений и комедии с фэнтези, за первые выходные зарабатывает 46,6 млн., всего же в прокате фильм собирает более 300 миллионов. Колоссальный коммерческий успех дает начало еще двум, не уступающим в популярности своей предшественнице, сиквелам.

Особый статус Киры Муратовой

Обсуждение творчества Киры Муратовой завсегда происходило патетично и азартно, только с отсутствием огульной критики. Кира Георгиевна вынудила сообщество критиков уважать себя. Творчество режиссера, начиная с первых работ, возбуждало споры и многостороннюю полемику, в чем выражалась не только его провокационность, а и реакция окружения на отношение самой Муратовой к жизни, используемому материалу, и, в конце концов, к самой себе. Безоговорочное её осуждение сменяется периодом поощрения.

Отношение к художнику довольно разное – восторженное, несогласие, неприятие, раздраженность, и вновь восторг. Оценивают творчество Муратовой по минимуму – так как почтительно относятся к её фильмам. В пример ее кинематографу удобно показывать приемы анализа, рефлективность, соотношение увиденного на экране с собственным опытом, воплощать в жизнь персональные сверхзадачи, испробовать методики анализа кинематографа. Картины Муратовой – это культурный массив, изучивший многоступенчатую закалку в веке серого коллективизма и доживший к эпохе ретивого индивидуализма. Ее наследие пластично и поддается осмыслению, его препарируют разными мерками, но не для поверки ее работ собственными шаблонами, а для оценки понимания пределов возможностей кинематографа. Именно поэтому характеризовать Муратову весьма сложно: все, о чем можно быть сказать, уже сказано. Это доказывает особый статус этого режиссера и является причиной, по которой отечественные критики не готовы посвятить исчерпывающие работы, посвященные одному человеку – Кире Георгиевне Муратовой.

Мягкий юмор Г. Данелии

Георгий Данелия советский кинорежиссер и сценарист. Народный артист СССР (1974). Родился в 1930 в Тбилиси. С 1959 работает как режиссер на киностудии «Мосфильм». Свою первую полнометражную ленту «Сережа», поставил вместе с И. Таланкиным, что позволило стать лауреатом призов на международных фестивалях. Картина «Я шагаю по Москве» наметила главные особенности стиля Данелии – сочетание двух несовместимостей: смеха и грусти, иронии и лирики, незаурядных характеров и запечатленного документально пейзажа. В60-е годы режиссер переносит интересных для него героев-современников в ложе гротескной комедии, но смешной и большим счетом добрый фильм, поднял агрессивное неприятие кинематографических чиновников, которые запретили прокат картины. Остросюжетный сценарий современной комедии Данелии с успехом реализовал режиссер А.Серый в фильме «Джентльмены удачи». Борьба принесла режиссеру удачу, он добился права снять комедию о недотепе-сантехнике (фильм «Афоня»), после чего Данелия утверждается как ведущий комедиограф советского кино. Имея кардинальные отличия от импульсивного эксцентрика Гайдая, творческий почерк Данелии близок к мягкому юмору, но, в противовес Рязанову, единство его сюжетов было менее искусственным, а финал – более простой.

Лучшим образцом стилистики Данелия стала картина «Осенний марафон», а столь редкие отклонения, от этого стиля, в равном уровне оборачивались удачей, но вызывали противоречивые отклики.

Драматург, гений или порнографист?

Корейский кинорежиссер Ким Ки Дук поистине уникальное явление современной корейской киноиндустрии. Снимая фильмы в разных жанрах, он очень точно может передать эмоции героев. Он чувствует и фантастично точно передает тонкую грань между жизнью и смертью. Его герои постоянно ходят по лезвию ножа. Смерть не где-то, а совсем рядом с ними. Не все люди могут прочувствовать и верно понять его фильмы. Они местами тяжеловаты для восприятия, но если смотреть вдумчиво, то весь подтекст раскрывается.

Тяжело определить лучшую работу режиссера, более вероятно, что это фильм «Плохой парень». Эта кинолента повествует о грани между любовью и ненавистью, как бы банально это не звучало. В картине показано много проблем общества – проституция, эгоизм, убийства. Все это вертится вокруг парня, влюбленного в симпатичную студентку, которую вскоре сделают проституткой. Девушка, теряя невинность, возненавидит его за то. Что он с ней сделал. Но потом – почти незаметно для обоих – ненависть девушки перерастает в сумасшедшую любовь. Этот фильм не для детей, в нем много интимных, открыто эротичных, возможно даже порнографических моментов. Но, по сути, картина есть психологической драмой, которую хочется смотреть снова и снова. Все, вроде бы, соответствует жанру, но Киму Ки Дуку постоянно удается показывать вещи, которые нам выдаются обыденными, з другой стороны, в ином свете. И выходит у него это профессионально.

Кто то, когда-то сказал: «Для того чтобы стать режиссером, необходимо образование, либо большой жизненный опыт». У Кима нету первого, но есть второе. Он был таким «плохим парнем».В тридцать два года впервые увидев кино, он понял, что это и есть его призвание. С 36 летнего возраста он снимает кино, которое волнует сердце и душу.

Алексей Балабанов

Алексей Балабанов в 1981 году окончил Горьковский педагогический институт. До 1987 года Алексей работает ассистентом режиссера. В 1990 проходит Высшие курсы сценаристов, где занимался на экспериментальном курсе «Авторского кино».

Творческую дорогу в «большой кинематограф» начал в 1991 году, работой по собственному сценарию он поставил первый, в карьере полнометражный фильм «Счастливые дни».В это же время он выступил соавтором сценария к фильму молодого режиссера Хворовой — «Приграничный конфликт».

Однако настоящим прорывом в большой кинематограф стала для Алексея Балабанова, отснятая в 1997 году криминальна лента «Брат», ведущую роль в которой играл Сергей Бодров, а музыку, к которому писал Вячеслав Бутусов. Фильм практически молниеносно стал культовым, а коммерческий успех принес картине звание самого кассового фильма года.

После такого ошеломительного успеха Алексей Балабанов пошел на достаточно неожиданный ход, и принялся за работу над картиной «Про уродов и людей». Этот фильм большинство критиков относит к арт-хаусу. Главную роль в картине играет Сергей Маковецкий. Кинолента очень провокационна и необычна: о первых творцах порнографии в дореволюционной России.

Весной 2001 года кинорежиссер снова снимает Бодрова в новой картине «Война», а в главной роли дебютирует молодой Алексей Чадов. Картины Балабанова и по сегодня приносят миру новых звезд кинематографа. Известными становятся даже музыканты, которых отбирает режиссер для музыкального сопровождения в своих картинах.

Жан Ренуар французский художник кино

Французского режиссера Жана Ренуара можно считать истинным сыном ХХ столетия. Как и его отец(Огюст Ренуар) художник по профессии, Жан часто опирался в своих картинах на субъективное виденье вещей.

Его фильмы отражают смену эпох, и можно видеть, как буквально на глазах уходит в небытие ХІХ столетие. Меняется мир, человеческая жизнь измеряется новыми мерками. Наиболее полно эта тема показана в картине Жана «Большая иллюзия», которая повествует о приключениях трёх французских офицеров, попавших в немецкий плен. Действие картины происходит во времена Первой мировой войны, которая и становится своего рода разделителем двух эпох. Двадцатое столетие в картине как бы приходит с разрушением аристократии, которая в картине демонстрируется в образе немецкого офицера — фон Рауффенштайна, а также французского офицера-аристократа Бордье. Их общение становится идейной основой киноленты. И тот факт, что впоследствии, один убивает другого, символизирует не только кончину времен аристократии, но и то, что новые времена так или иначе, но разрушат предшествующие иллюзии. В конце картины двое уцелевших французских офицеров делятся планами на будущие. Они полны оптимизма, но все же понимают: впереди война, которая будет теперь для них идти вечно.

Классик ужасов

Будущий режиссер Фрэнк Дарабонт появился на свет 28 января 1959 года. Его родители были венграми, эмигрировавшими в США. Несколько лет он посвятил работе декоратора в Голливуде, затем работал как ассистент художника-постановщика.

Встретив в 1981 году на съемках фильма «Адская ночь» Чака Расселла, Фрэнк начал этим долгую и многолетнюю дружбу и сотрудничество, которая принесла немало плодов. Вместе написав сценарии для третьей части фильма «Кошмар на улице Вязов» и ремейка классического фильма ужасов 50-х годов «Капля» они ещё больше сдружились с Чаком. Кроме того, Фрэнк взял непосредственное участие в создании фантастической киноленты «Муха 2».

В «большом кинематографе» режиссер триумфовал в 1994 году. Его драма «Побег из Шоушенка», была тепло воспринята как зрителями, так и критиками. Номинировался фильм в семи номинациях на премию «Оскар», в том числе ив номинации «лучший фильм».

Однако ранее, Фрэнк Дарабонт успел с большим успехом поработать на телевидении — его режиссерским дебютом стал телевизионный триллер «Похоронены живьем», главные роли в котором достались Тиму Матисону и Дженнифер Джейсон Ли, а до этого он отснял короткометражку по сочинению Кинга «Женщина в комнате».

Дарабонт принимал участие в создании телефильмов «Бег чёрной кошки», занимался написанием сценариев для множества эпизодов популярных тогда сериалов.

Фильм Френка Дарабонта, снятый по роману Стивена Кинга — «Зеленая миля», где главные роли играли Том Хэнкс и Майкл Дункан, принес также неплохие результаты. Но по словам самого режиссера больше всего ему удаются ужасы.

Итальянский рыцарь

Франко Дзеффирелли известный как режиссёр-шекспировед. Работая в театре, он ставил пьесы «Отелло», «Гамлет». С 1967 года Дзеффирелли приходит в кино. Дебютировал как режиссёр с лентой «Укрощение строптивой», снятой по пьесе Вильяма Шекспира. Здесь же и проявились основные особенности стиля Дзеффирелли. Он использовал театральную задекорированность действия, был верен классическим источникам, показывал яркие и подчёркнутые эмоции. На экранизацию Шекспира Дзеффирелли подтолкнули Бартон, а так же Элизабет Тейлор, сыгравшие, впоследствии, главных персонажей в фильме. Сам Франко считает, что картина «Укрощение строптивой» получилась весьма театральной.

Фильм «Ромео и Джульетта» режиссёр снял в 1968. Но только годом спустя шедевр номинировали на «Оскар» в нескольких серьезных номинациях: «лучший фильм», «лучшие костюмы», «лучший режиссёр» и «лучшая операторская работа». В двух номинациях кинокартина «Ромео и Джульетта» побеждает. Картина так же получает 3 «Золотых глобуса» — как лучший из иностранных фильмов.

К Шекспиру Дзеффирелли обращается снова в 1986 году. На этот раз экранизация «Отелло». Здесь Франко Дзеффирелли талантливо объединяет оперу и кино. Картина удостаивается нескольких наград.

За существенные достижения в кинематографе и популяризацию английской классики в 2004 году Дзеффирелли получил рыцарский титул от английской королевы.

Кумир из Италии

Серджио Леоне сильно любит кинематограф. Но итальянское кино для него застывшее в неореалистических формах, и совсем неинтересно. Леоне долго собирался снять вестерн, который будет лучше американских. После просмотра ленты А.Куросавы “Телохранитель” он решается на это.

Леоне считал американские вестерны подобием комиксов, где ковбои в белых шляпах стреляют в ковбоев в черных. «Американские вестерны утопают в психологии. Запад завоевали простые люди, и эту простоту я и стараюсь показать в своих лентах” – говорил режиссер. На роль в своем фильме Леоне приглашает Клинта Иствуда.

Борьба с надменной психологичностью, привела к появлению картин основанных на психическом напряжении и мучительно долгом ожидании, которое взрывалось быстрой развязкой. Характерные приемы Серджио — удивительная и виртуозная работа оператора и необычный монтаж, сочетавший крупные и общие планы. Музыка для всех фильмов Леоне, сочинялась Эннио Морриконе, автором саундтреков к более чем 400 фильмам в последствии. Диалоги, частично предусмотренные сценарием, часто придумывались на ходу, много появлялось при дубляже картин на английский. Леонев своих фильмах также применял неожиданные приемы: заранее написанные темы для персонажей проигрывались актерам перед сценой и заставляли двигаться в такт с музыкой. Все это – сотворило с Леоне кумира тысяч зрителей.

«Касабланка»

Майкл Кертис известен в основном благодаря своему фильму «Касабланка». Этот американский кинорежиссер снял романтическую драму, утвердив на роли Гамфри Богарта и Ингрид Бергман. Действие фильма происходит в марокканском городишке Касабланка во время бушующей Второй мировой войны, которое находится под контролем Франции. Сюжет основан на внутреннем противоречии человека, которому предстоит выбор между любовью и честью, между любимой женщиной и необходимостью принять правильное решение — помочь любимой и её мужу, тогдашнему лидеру оппозиционного движения, удрать из Касабланки, с целью продолжения борьбы с нацистами.

Хотя «Касабланка» первоначально и снимался как фильм премиум категории, никто особо не рассчитывал что участие первоклассных актеров, и именитых сценаристов принесёт ошеломительный успех картине. Первые показы имели успех, но грандиозным назвать его можно было бы с большой натяжкой. Существовало мнение, что это шаблонный фильм Голливуда, один из многих в те годы. Фильм быстро пошёл в прокат, что бы воспользоваться высадкой союзных войск в Северной Африке, которая прошла несколькими неделями ранее и пока еще была у всех на слуху. Невзирая на постоянные замены сценаристов, которые намеревались довести до ума все еще не поставленную тогда в театре пьесу, и то, что для актера Богарта это первая в его карьере романтическая роль, — «Касабланка» получает 3 «Оскара», включая номинацию «Лучший фильм». Персонажи, диалоги и музыкальное оформление переросли в культурные символы, а популярность картины выросла до заоблачных масштабов, доныне эту ленту часто относят к лучшему наследию кино 20-го столетия.

Крепкий орешек

Джон Мак Тирнан стать режиссером мечтал с детства, и после окончания школы, сразу же вступает на факультет по киноведению в Нью-Йоркском Университете. По окончанию учебы несколько лет создает рекламные ролики. В большом кинематографе Мак Тирнан дебютировал в 35-летнем возрасте с кинокартиной «Кочевники». Мрачная мистика передана режиссером довольно своеобразно, что привлекает внимание продюсеров.

Это внимание дает режиссеру возможность начать работу по съемкам фильма «Хищник». Вышедшая в прокат вначале 1987 года лента, со Шварценеггером в образе главного героя, собрала более 60,0 млн. долларов только в американском прокате, в то время как её бюджет был не многим более 15 миллионов.

На волнах славы и коммерческого успеха «Хищника», кинокомпанией «20thCenturyFox» предлагает режиссеру работу над блокбастером «Крепкий Орешек». И оказалось не безосновательно. Сегодня фильм, прославивший Брюса Уиллиса, считается золотым эталоном кино 80-х годов, и лучшим из боевиков, за немалую историю кинематографа. Фильм, собрал более 80,0 млн. долларов, и бесповоротно закрепил за режиссером статус «коммерческого».

За последние годы режиссер снял всего 2 киноленты «Роллербол» и «База Клейтон». Но обе работы проваливаются в прокате, даже не окупив вложенных в съемки средств. Судя по череде успехов и провалов, найти «формулу успеха» ему так и не было суждено.

Такахата друг и коллега Миядзаки

Такахата Исао давний друг и коллега Миядзаки. Такахата принялся строить свою карьеру в кинематографе с режиссуры. Исао родился в 1935 году, и окончил самое престижное японское учебное заведение — университет города Токио. Получив высшее образование, он начинает работу на новой, недавно созданной студии «Тоэй Дога». Его знакомство с Миядзаки произошло в доме союза аниматоров, куда Исао был приглашен на должность вице-председателя, а Миядзаки в то время был председателем.

Первая картина Тикахаты «Принц севера» до сегодня является блестящим примером японского анимационного кинематографа. Совместная работа Такахаты с Миядзаки была очень плодотворной: одна за другой появлялись новые картины — «Люпен 3», «Девочка Альп — Хейди», «Рыжеволосая Энн», «3000 лиг в розысках матери» и «Рыжеволосая Энн».

Предложив создать картину по саге «Навсикая с Долины Ветров», режиссер Миядзаки выставил одно существенное условие, которое заключалось в том, что Исао Такахата должен быть продюсером этой работы. С этих пор Такахата часто продюсировал кинокартины Миядзаки, лучшими из которых стали «Небесный замок Лапута», и, вскоре, первая картина киностудии «Гибли» под названием «Могила светлячков» вышедшая в 1988 году. Следующими доработками режиссера было создание таких картин, как «Пом Поко», «Сочащиеся воспоминания» и «Семья Ямада — наши соседи». Участие Такахаты так же было отмечено в ряде других проектов: «Здесь слышен океан», «Ведьмина служба доставки».

Подобно Миядзаки, Такахата – яркий представитель аниме-реализма, но его работы более лиричны, с элементами трагедии.В сравнении с картинами Миядзаки, Такахата не столь жизнерадостен, а его ленты отражают сложное противоречие жизни, и почти никогда не кончаются счастливо.

Клузо и его своеобразие

Анри-Жорж Клузо — французский режиссер, испробовавший себя и в роли сценариста. Журналистика, которой он занимался, не приносила ему удовлетворения. И, начиная с 1931 года, Анри пробует силы в качестве ассистента режиссера. Потом было несколько работ в роли режиссера театра. Его дебют как постановщика в кино состоялся в 1942 году с «черной» комедией «Убийца живет на 21-м». Но настоящий фурор вызвала его лента «Ворон» носящая общественно-политический характер. Ленту на протяжении многих лет считали оскорбительной для французской нации.

Режиссер остается достаточно своеобразным, и использует приемы англо-американского детектива и триллеров. Он получает широкую известность и признание только в США. После смерти от тяжело переносимой и довольно продолжительной болезни, Анри Клузо был удостоен почетной премии «Сезар».

Несмотря на все усилия друзей, режиссера М. Карне и М. Л’Эрбье, им так и не удается добиться реабилитации «Ворона» на родине режиссера. Фильм остается запрещенным во Франции на протяжении многих лет, вплоть до 1969 года, когда все же был выпущен в прокат.Во Франции онстал последней вышедшей картиной Анри Клузо. И предстал перед зрителем, словно предостерегающее завещание мастера.

Сказочник или гений?

Картины Эльдара Рязанова прочно засели в нашей с вами жизни. Без его фильмов отечественный кинематограф нельзя даже представить. Великолепное созвездие вечно молодых картин, до сих пор вызывает восторг зрителя, чем не могут хвастаться другие российские режиссеры. Никто не пользовался настолько обширной славой, как Рязанов. Он самый популярный и самый любимый режиссер кинокритиков.

Первой художественной лентой Рязанова «Карнавальная ночь» он получает несказанный успех. Молодому Эльдару вручают приз на Всесоюзном фестивале. Рязанову удалось случайно найти любопытный жанр социальной киносказки. Веселые, милые молодые и не очень герои картины не могли не завоевать публику в 1956 году, стосковавшуюся по веселому и милому кино.

Это можно назвать пристрелкой режиссера, проверкой жанра. «Гусарская баллада», которой повезло не меньше остальных картин, несмотря на свою историчность, в большей степени была сказочной и совсем неправдоподобной.

Режиссер стремился к большей оригинальности, и обретает ее с фильмом «Берегись автомобиля» который становится настоящим киношедевром.

С некоторых пор киносказка в понимании режиссера и придуманные им типажи стали легендарными.